Nanook of the North

Nanook of the North
Dir Robert Flaherty USA/FRA (1922)


Cuando se ve por primera vez este film, uno no se da cuenta que muchas de las escenas son actuadas. Esto nos hace deliberar acerca de qué tanto importa en un documental si algo es ficción o no. Esto me recuerda aquel controvertido artículo Jimmy’s World de Janet Cooke publicado en el Post en 1980. En él se relata la historia de Jimmy, un pequeño niño de color que a sus 8 años es adicto a varias sustancias, producto del medio que lo rodea y condenado a una vida de miseria. Jimmy no existia, era falso. Cooke se hizo del premio Pulitzer con esta historia, tuvo que devolverlo y pedir una disculpa. La joven periodista inventó el personaje, pero en realidad cientos de casos como el de Jimmy existían y existen en la realidad. ¿Es periodismo lo que hizo, basándose en una nota de ficción? ¿Los documentales pueden mostrar escenas actuadas y seguir llamándose documentales? En varios casos existe una delgada línea entre lo que nos muestra la realidad y lo documenta, y lo que es pura ficción. En últimas fechas tuve la oportunidad de asistir a la gira de documentales Ambulante (reseñas que más adelante subiré) y ahí también reflexioné acerca del documental con escenas actuadas, pues se presentó mucho en esta edición del festival. Mientras que esas escenas nos develen realidades en realidad no importa si esas escenas son actuadas. Así opera Nanook el Esquimal, y se ha convertido en uno de los documentales más famosos e importantes en la historia del cine.


Las escenas actuadas de Nanook también se dieron por varias causas, una de ellas el momento en que el manifiesto cinematográfico se encontraba, pues la audiencia necesitaba ayuda para saber o entender algunas cosas que se presentaban en la pantalla. Es por eso que se realizaban algunos planos específicos para dejar ver otras cosas en el fondo, y algunas veces sólo haciendo uso de la ficción estas escenas podían salir adelante. Una secuencia que recuerdo contiene estos elementos es aquella donde Nanook está luchando con una foca inexistente, pero si imaginamos que el animal se encuentra ahí, resulta una escena muy graciosa. En otra, a lo lejos se ve venir un grupo de esquimales a lo lejos, lo que crea tensión en la escena pues se espera que llegen con Nanook, pero se siente premeditada la llegada de éste grupo así como la decisión de poner en ese lugar específico la cámara. Las escenas de los interiores están particularmente iluminadas, lo que le resta verosimilitud, pero obedece a la narrativa y a la comprensión de cómo es el mundo de los esquimales. Éste documental podría tener un su discurso el hacer que las cosas sucedan, no filmar lo que está pasando. Otro aspecto a considerar es el hecho de que Nanook tuvo una gran conexión con su audiencia, fenómeno que se dio por varios factores, entre los que se encuentra la elección de un protagonista carismatico, que con sólo sonreir desarma al espectador y lo hace vulnerable. Lo mismo cuando ve perritos y bebés esquimales. Igualmente empáticas resultan las cálidas escenas hogareñas, que se conectan con todas las familias del mundo, y que revelan que la familia de Nanook mantiene una dinámica igual que la de ellos mismos. Abajo el link.


http://www.youtube.com/watch?v=SmzIZWpxIa0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=9wmHvkrhmII&feature=related

Propuesta de Autorretrato.

Propuesta de Autorretrato.

Amanece. Mañana.

Colgate, Procter & Gamble, Crest, Levi’s, Converse, Puma, Bimbo, Lala, Hellman’s, Swan, Nestlé, Peugeot, Pemex, Ibero, EMI, Warner, Telmex, Mac, Office, Adobe, Sony, McDonalds, Subway, Oxxo...

Pero también, y más importante : sonrisa, risa, abrazo, beso, proyectos, creatividad, imaginación, tristezas, alegrías, inteligencia, valor, miedos... Tratar de dejar fuera las primeras, para basarnos en lo demás. Soy una mezcla de todo. Peceras, Futbol americano, comida vegetariana, Pasito durangense. Ése… NO soy yo. ¿Pero como saberlo? ¿Cómo un espectador me puede conocer si la imagen puede mentir?... En mi autorretrato debe de haber un evento que me enfrente a mi verdadero YO y no mentir a la cámara. Que devele como soy en realidad, bajo presión, en todos aflora nuestra verdadera personalidad. Aunque sea un evento actuado, el propósito es quitarle adornos a la personalidad y mostrarla tal cual es.

El cine, la música, la arquitectura, mi casa, mis amigos, mi familia, Comida, Viajes, Cómics…ése SI soy yo. Ahora a mostrarlo. El pasado juega un importante papel en mi biografía. El presente lo estoy armando. El futuro son mis sueños y esperanzas, espero poderlo reflejar en este autorretrato.

To look life in the face, always, to look life in the face and to know it for what it is. At last to know it, to love it, for what it is, and then, to put it away. Always the years between us, always the years.
Always the love. Always the hours
Virginia Woolf.

Dial H-I-S-T-O-R-Y

Dial H-I-S-T-O-R-Y
Johan Grimonprez BEL (1998)


Profético documental, armado con secuencias de archivo y múltiples formatos para representar el miedo, el terror a nivel global que generan los secuestros aéreos. Este fenómeno se ha globalizado como el fast food ; igual que el terrorismo. Son cosas que vemos en la televisión todo el tiempo, terrorismo visual. En una secuencia se dice que vemos la TV con ganas de ver más. El morbo, la violencia. Es sabido que la televisión se caracteriza por el manejo de las emociones; cómo se narra un partido de futbol, o una telenovela. Esta línea también la siguen los noticiarios donde vemos al terrorismo como el pan de cada día. Las televisoras manejan estos actos llevando una narrativa, que emociona al espectador. Si tomamos en cuenta que el hombre es violento por naturaleza, no hay duda que la televisión siempre lo dejará con ganas de más. Conforme los secuestros aéreos aumentan su nivel, cada vez hay más victimas. A su vez, la cámara siempre quiere tener más detalles, quiere estar cada vez más cerca en cada rapto.

Así como en la TV vemos el delito cometerse, después vemos anuncios comerciales donde la vida es perfecta. No es gratuito que en el documental, en medio del secuestro, el director incruste la leyenda: Insert commercial here. Así mismo utiliza el estilo del zapping visual, con todo y el “white noise" que hacía el televisor al cambiar de canal, cosa que ya no ocurre más. White Noise es el nombre de una novela de Don DeLillo que se centra en el consumismo excesivo, la saturación de los medios, las teorías de conspiración y la violencia humana. Dial H-I-S-T-O-R-Y toma varias frases de ese libro para complementar su discurso, que justamente toca los mismos temas. Las preguntas que me surgen son: ¿Será la televisión oriental igual a la occidental? ¿Qué es lo que ve la gente en aquellos lugares que los hace cometer estos actos? ¿Qué los lleva a hacerlos? ¿Fe? ¿Dinero? Hay algo especial en este fenómeno, y en la importancia que le dan a los aviones, a los aeropuertos, saben que son símbolos de la globalización y que su mensaje así llegará a todo el mundo.

Une journée d'Andrei Arsenevitch

Une journée d'Andrei Arsenevitch

Chris Marker FRA (1999)


Documental de Chris Marker acerca de los últimos dias de Andrei Tarkovsky, su última cinta, El Sacrificio, y su forma de hacer cine. Como mencioné en la entrada anterior, hay quien dice que los cineastas son los nuevos filósofos. Tarkovsky es muestra de ello. El documental muestra escenas fuertes por la carga emotiva que presentan, del director en sus últimos días. También podemos verlo en su set, con una mezcla de rigor y buen humor, cosa que nunca imaginé.


Al pertenecer al continente americano y estar tan cerca de los Estados Unidos, tenemos una fuerte influencia de su parte en cuanto a cultura, y el cine no es la excepción. El cine de Hollywood nos ha impuesto una forma de ver el mundo que, después descubrimos, si bien no es que sea malo, definitivamente no es el único. Tarkovsky nos enseña esto en su cine, con ayuda de la fotografía de Vadim Yusov y Sven Nykvist. Como se ve en las primeras dos imágenes, sus encuadres en vez de retratar el cielo, como en el cine hollywoodense, retratan la tierra, que es de donde venimos. La tierra representa la realidad, no los sueños, que están en las nubes. Hay una secuencia en Andrei Rubliov en la que vemos como un monje está en las alturas, pero solo vemos la tierra, lo que el ve, nunca lo vemos por los aires.





Asimismo, hay una secuencia interesante en la que se habla de cómo la lluvia aparece en las películas de Tarkovsky. La lluvia es un personaje más en sus cintas y juega un papel muy importante. El hecho de que esa tierra de la que venimos sea lavada, enjuagada ; y después, en ese lodo, los personajes se revuelquen, es todo un discurso en el que los 4 elementos primordiales se conjugan y cada uno significa una especie de purificación para cada historia. En Solaris y El Espejo se mezclan en el mismo plano el fuego, y el agua; en la primera a modo de lluvia, en la segunda en una regadera. En El Sacrificio, vemos los cuatro, el fuego, el viento, el aire y la tierra unirse en la impresionante secuencia final.

Sans Soleil

Sans Soleil

Chris Marker FRA (1983)


En Sans Soleil, Chris Marker hace uso de mucha toma fija, sin embargo no utiliza tripie. Se siente un movimiento continuo a pesar de que la cámara sólo filma un objetivo. La cámara registra todo lo que pasa delante de ella y se mueve sólo para seguir a ese objetivo. Así como conocimos el Ojo-cámara de Vertov, Marker nos presenta el Ojo-mente. Hay quienes dicen que los nuevos filósofos son cineastas, y gracias al Cine-Ensayo muchos directores nos lo han demostrado. Godard, Farocki, Tarkovsky, Marker, sólo por nombrar algunos.


Marker dice que hay algo en lo que no está de acuerdo que enseñan en las escuelas de cine: el decir “no mires a la cámara” a las personas que se encentran delante de ésta. Ya antes habíamos establecido que la cámara es un arma. ¿Cómo no voltear a verla? ¿Cómo no sentirse intimidado?. En Sans Soleil , toda la gente observa la cámara, se extraña, sonríe, es auténtica. Demuestran sentimientos y actitudes genuinas cuando la ven. En general ese debería ser lo común cuando se tiene delante una cámara, no obstante es lo contrario. En el cine, todos actúan como si no existiera, es parte del cine, del crear un mundo irreal y nosotros ser testigos de éste. En Sans Soleil, Marker recorre el mundo real, diferentes ciudades, a veces parecidas, a veces desiguales. Analiza lo real y lo irreal de cada una. Lo nuevo con lo viejo.





Precisamente me pareció muy interesante la secuencia en la que Marker compara el Japón real, utilizando los planos de la gente en el metro, con el Japón fantástico que habita en su gente, o al menos eso dan a entender. “El horror es tu aliado”, dice en Apocalypse Now Marlon Brando acerca del horror: “Horror... Horror has a face... and you must make a friend of horror.” Marker retoma esta frase para ese Japón de caricatura, de grandes muros con dibujos de anime y manga. De tiras cómicas, de filmes de horror.

Los documentales de Jean Painlevé.

Jean Painlevé
(1902-1989)

His "Ten Commandments"
1. You will not make documentaries if you do not feel the subject.

2. You will refuse to direct a film if your convictions are not expressed.
3. You will not influence the audience by unfair means.
4. You will seek reality without aestheticism or ideological apparatus.
5. You will abandon every special effect that is not justified.
6. Trickery will be of no use unless the audience is your confidant.
7. You will not use clever editing unless it illustrates your good intentions.
8. You will not show monotonous sequences without perfect justification.
9. You will not substitute words for images in any way.
10. You will not be content with “close enough” unless you want to fail spectacularly.

Después de leer los mandamientos de Painlevé, me pareció que podrían ser muy universales. Algunos podrían pensar que pueden darse por sentados y obvios. Sin embargo, creo que en realidad son difíciles de cumplir. Painlevé no los traiciona nunca. Su discurso es muy claro y simple: la vida. Eros, no Tanatos. El ritmo de sus documentales contienen esa pulsión de la vida que está plasmada también en su técnica. Movimientos, respiración, flujos…

Painlevé incorpora técnicas como la cámara rápida y el slow motion lo que refuerza este estilo orgánico. Al observar la estética que existe en la composición de sus planos, pareciere que estamos contemplando un pequeño y hermoso set, con una magnifica dirección de arte. Sin embargo, retrata la naturaleza real, no es una escenografía. Los planos fijos nos remiten a una cámara observadora, que desmenuza con ojo analítico todo lo que sucede. La música compuesta por Yo La Tengo hace que el ver estos documentales sea una experiencia llena de una atmósfera éterea. Por otro lado, con su audio original, también son igualmente disfrutables pues hace que uno se interese y le encuentre el lado científico al documental.